Saldanha también hizo “La era del Hielo” y “Rio”. Aprovechando la invitación de Chilemonos, conversamos con él sobre la responsabilidad de hacer películas libres de estereotipos para infantes y cómo los colores pueden transmitir emociones.
“Espero que haya más Chilemonos en todos lados”
Desde hace siete años que entre el 9 y 13 de mayo, Fundación Chilemonos con el apoyo del Fondo Audiovisual y el Programa de Intermediación Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, prepara una semana intensa que rinde tributo al arte de la animación en Chile y Latinoamérica.
El punto de encuentro estará ubicado entre el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) y el Museo de Artes Visuales (MAVI), quienes comenzarán sus actividades desde el miércoles 9 durante la mañana hasta la tarde-noche del sábado 12 de mayo.
El Festival Chilemonos 2018 trae de regreso al brasileño Carlos Saldanha, creador de “La Era del Hielo” (2002), “Robots” (2005), “Río” (2011), y su última colaboración con 20th Century Fox “Ferdinand” (2017).
“Me siento muy bendecido de haber sido invitado a Chilemonos en la primera edición del festival, fue una de las mejores experiencias que he tenido en mi vida, estoy muy entusiasmado de formar parte de este proyecto especialmente en un festival con una pasión. Es un proyecto de pasión y puedes sentirlo por la gente con la que trabajas y con la gente que asiste”, contó en exclusiva a POUSTA.
Saldanha será reconocido por su trayectoria con el premio “Director Ícono”, que entrega el festival. Los cupos para su Master Class están copados, pero “Ferdinand”- nominada al Oscar como mejor película animada- se exhibirá el sábado 12 de mayo, a las 20 horas en Matucana 100 (M100).
Además, el viernes 11 se podrá ver “Robots” a las 20 horas en M100 y el domingo 13 el festival cerrará con una función de “Río”, a las 18:30 horas, en el GAM.
“Festivales como estos son ejemplos de cómo puedes crecer y cómo puedes hablar de animación, arte, y storytelling y hacerlo accesible para todos, esta es la belleza de todo: compartir ideas, contar historias, sentirse inspirado, ser capaz de contar y ver cosas que en ningún otro lado vas a ver. Espero que hayan más Chilemonos en todos lados”, agregó el director.
Conversamos con el director sobre cine, nuevos talentos, emociones y las mujeres en los estudios de animación.
“Trato de evitar los estereotipos y cosas que se esperan que pasen”
¿Cuál es el aspecto que más se debe cuidar cuando hablamos de films dirigidos a la población infantil?
Lo que es interesante de hacer animación es que al principio pensamos que son películas para niños, pero de hecho creo que muchas de las películas animadas están hechas para adultos.
Es una situación a la que invitamos a los niños a formar parte; usualmente hago una película para mí o de algo que a mí me gustaría ver, pero lo estamos haciendo de una manera que es para todos -incluyendo a los niños.
A los niños les gustan estas historias porque creo que aprecian la sofisticación y la historia que es para todas las edades.
Como estas películas son vistas por la familia y los niños es importante dar un buen mensaje; con sentimientos, diversión, entusiasmo, una visual espectacular; para que cuando salgan del cine lo hagan con un buen mensaje y una buena lección aprendida o algo que les permita a los niños reflexionar y apreciar la historia que estamos contando.
En este sentido ¿Cómo trabajas en cuanto a los estereotipos que, inevitablemente, se entremezclan en los procesos creativos?
Al hacer una película entras en conflictos con hacer una historia única o una idea fresca, siempre buscamos por historias e ideas y ejecuciones que sean nuevas y que no sean como cualquier otra película que ya hayan visto en términos de la historia.
Trato de evitar los estereotipos y cosas que se esperan que pasen. Por supuesto que en vez de usar estereotipos se pueden usar convenciones sociales para reemplazarlos, y trabajar con una idea original de algo que la gente ya conozca.
Trabajé con muchos de estos problemas cuando dirigí Rio, porque muchos usaban los estereotipos de la cultura brasileña y de la gente de Brasil. Tuve que trabajar para que esto no fuera así, para usar los elementos de la cultura, pero sin estereotipar como lo hacen muchas películas.
Hay que preguntarse ¿Cómo tomar algo que existe y darle un giro? Especialmente con cosas como la música, secuencias, etc. Por ejemplo, mostramos carnavales, pero ¿Cómo muestras un carnaval sin los elementos estereotípicos que ves para crear una historia? Entonces creamos una historia alrededor del carnaval y con elementos en los personajes para que interactúan de una manera divertida, jugamos con los estereotipos para crear comedia y también al mismo tiempo para mostrar la belleza y la cultura como historia, pero siempre es algo que pensamos mucho porque es algo que debemos enfrentar y tratar siempre de hacer que sea vea familiar.
“El color es una herramienta poderosa”
Si el color es uno de los aspectos que más valoras de la creación de una película, ¿Cuál es la importancia de esto al ojo del espectador? ¿Cómo se articulan las paletas de colores para dar un mensaje?
El color es uno de los aspectos más importantes cuando creas un mundo de animación, de los marcos, de la belleza de las paletas y siempre son cosas que valoro bastante. En Rio fuimos capaces de ir más allá usando colores primarios y explorando la belleza, pero parte de esa razón fue porque en Brasil tienen un sentido del color y la luz que es muy única y las paletas son muy únicas. Estos elementos nos permitieron crear Rio y la personalidad visual de cada personaje.
Esto fue muy importante, porque los colores también conllevan emociones y podemos usar convenciones, por ejemplo, colores brillantes para representar una sensación de felicidad, luces brillantes para crear un sentido de esperanza y entusiasmo, pero también puedes hacer que todo esté más oscuro y crear un estado anímico más triste.
La combinación de dirección de arte y cinematografía es realmente importante en el proceso de crear una película animada, porque estás contando una historia con agudeza visual que desafía la historia con elementos visuales, tan importante como es el diálogo, los personajes, la música, la luz, para crear un estado anímico y hacer que las películas sean diferentes, únicas y especiales cuando lo necesitan ser; por eso es necesario trabajar con buenos directores de arte que entiendan las emociones y los objetivos de contar una historia, y el color es una herramienta poderosa.
“Cuando empecé había pocas mujeres animadoras en el estudio y hoy se han convertido en las mejores”
Has dicho que te parece genial que más mujeres estén saliendo de las escuelas de cine; pero que es difícil encontrar mujeres directoras. ¿Cuál crees tú que es la responsabilidad de los estudios cinematográficos?
Más que nunca creo que es importante pensar en el rol de las mujeres y minorías en el proceso de animación, y creo que en general este movimiento ha sido para mejor y ha sido muy importante.
Todo empieza con una base, más gente, incluyendo mujeres, especialmente mujeres, para que estén interesadas en la animación, para que vean que es posible hacer animación, que está abierta la oportunidad.
Las escuelas necesitan crear ejemplos, espacios, ambientes, para que mujeres al igual que los hombres se sientan interesadas en esto; para seguir sus carreras en animación.
Eventualmente no sólo en la animación, sino que también la realización de películas. Siento que ya hay más oportunidades para encontrar directoras y animadoras, e igualdad en cuanto a la distribución de talento en la animación.
Esto es un esfuerzo, no es algo que vaya a pasar de la noche a la mañana, hay que empezar con fundaciones, con escuelas, con role models, mientras más mujeres veamos dirigiendo, trabajando, animando, presentando lo que tienen que decir y estando ahí las niñas dirán yo también puedo y quiero hacer eso también. Después se verán interesadas en hacerlo, toda la industria necesita empujar esto para que pase y asegurarse de que haya un espacio seguro y de bienvenida para que ellas estén. Es todo sobre el talento y la calidad, no importa si son hombres o mujeres, debería ser igualitario.
Cuando yo empecé había muy pocas mujeres animadoras trabajando en el estudio conmigo, y es muy refrescante ver cómo ese número ha ido aumentando. Tenemos un excelente equipo de mujeres animadoras que rompen los límites y se convierten en las mejores animadores aquí en Blue Sky, así que espero que eso continúe y que siga creciendo y sea un lugar seguro para todos los géneros y razas. Esto es un movimiento importante del que tenemos que ser parte, todos debemos colaborar.
En Ferdinand (Olé), el protagonista se va y termina alejado de toda la violencia, problemas y tristezas que vivía junto a los otros toros que lo discriminan y tratan mal. Cuando llega a vivir con la nueva amiga, y su padre, nunca extraña el lugar en el que estaba. ¿Podríamos relacionar esto a escapar de las familias tóxicas? ¿Seremos todos más felices al escapar de las situaciones de violencia que nos hacen daño?
Crear una historia para mí es sobre crear personajes en los que te puedas sentir identificado para que puedas ver a estos personajes en el cine o en la tv y verte a ti mismo ahí.
Todas las emociones que tratamos de encontrar, todos los problemas como empoderamiento, incomprensión, miedos, familias y amistades todos esos sentimientos que vivimos a diario son inspiraciones importantes para mí, para compartir historias de verdad, porque hablamos de conflictos importantes y serios, pero en un personaje animado esta historia es accesible para que la gente se olvide por un momento que son personajes animados y los tome como humanos y creo que ese es el poder de la animación, explicar ese tipo de situaciones y darles vida es el don de animadores y contadores de historias que permiten hacer sentir a la gente emociones como llorar, reír, y es porque son identificables en tu diario vivir, y eso es porque están conscientes de que sus personajes también pertenecen al mundo real.
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